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Des paroles pleines d'humour et d'excellents musiciens de jazz (Frédéric Magnan, Air For Kids) Rit qui qui, orchestre jazz pour les enfants et adultes, a vu le jour en décembre 2017 et sort son deuxième album, après son premier album et spectacle " La Routine " très bien accueilli. Il réunit une équipe atypique de musiciens professionnels du jazz et des musiques actuelles ainsi que des comédiens spécialistes du jeune public. L'orchestre a été créé à l'initiative des deux soeurs Virginie Daïdé et Laetitia Daïdé, en s'entourant de musiciens qui jouent sur la scène de jazz actuel : le but étant de proposer une musique tout public, avec des sujets et des textes accessibles au jeune public, et en français. - - Le nouveau album " Les vacances zones A, B, C " transpire de l'essence des Rit Qui Qui : une folie désordonnée, sur fond d'une musique très maîtrisée et d'un genre musical qui leur est propre, ancré dans le jazz en voyageant volontiers dans la biguine, le world, rock, ou rap. --Il reflète la nouvelle énergie du groupe : des arrangements solides, des échanges vocaux à bâtons rompus, des improvisations musicales riches et aventurières. On y retrouve toujours une écriture humoristique, porte d'entrée d'un second degré

- Discours de bienvenue Film à truquages avec animation d'objets et animation d'un acteur (McLaren lui-même). - Points Effets visuels et sonores abstraits dessinés à l'encre de chine sur pellicule 35 mm. - La Poulette grise Dessins colorés au pastel illustrant une vieille berceuse française et transformés par la suite de fondus enchaînés. Berceuse interprétée par la chanteuse Anna Malenfant. - Hen Hop Images tracées directement sur pellicule. La couleur (Warnercolor) est ajoutée par la suite. Interprétation visuelle d'une musique de danses carrées canadiennes. Publicité pour les bons de la victoire. - Canon Représentation visuelle et musicale du chant en canon. Diverses techniques d'animation sont utilisées, dont l'anima- tion image par image d'objets tridimensionnels et de découpages peints mats ainsi que de nombreux effets optiques. - Le Merle Animation image par image et superposition optique de découpages de papier blanc sur simples fonds de couleur. Un oiseau stylisé danse au son d'une chanson folklorique du Canada français. - Mosaïque En réunissant les copies de Lignes verticales et Lignes horizontales (lignes blanches sur fond noir), seules les intersections sont visibles et les petits carrés produisent des "mosaïques". les arrières-plans sont colorés à travers les filtres. - Blinkity Blank Utilisation d'animation intermittente et d'images spasmodiques jouant sur la persistance de la vision et l'après- image dans la rétine de l'œil. Les images sont gravées et colorisées sur une pellicule noire opaque. - Il était une chaise Allégorie avec action en direct, utilisant des techniques de pixillation, différentes vitesses de caméra et beaucoup de manipulation de la chaise à l'aide de fils invisibles. - Rythmetic Film d'animation sur les règles d'arithmétique les plus simples avec chiffres blancs découpés, évoluant sur fond noir. Le son est gravé directement sur la pellicule. - Caprice en couleur Interprétation de 3 pièces de jazz très différentes jouées par le trio d'Oscar Peterson et composées par ce dernier. Les éléments visuels sont peints, dessinés et notamment dans la partie du milieu qui est la plus lente, gravés sur la pellicule. - Voisins Animation d'acteurs, Jean-Paul Ladouceur et Grant Munro, par des techniques généralement utilisées pour des dessins et des marionnettes. "(...) Les courts métrages réunis dans Norman McLaren, Jeux d'images sont un exemple éblouissant de la variété de ses talents. (...) L'admirable, chez ce chercheur inventeur de monde (et passionné de danse), c'est qu'il n'a jamais ennuyé son public. Ses exercices les plus austères jaillissent sur l'écran dans l'allégresse, accompagnés de la musique folklorique d'un violoneux canadien, ou par ces bruitages bizarres qu'il tirait de la bande optique. Comment mieux lui rendre hommage qu'en citant la lettre que François Truffaut lui adressa en 1973 : "Ce que vous faites est unique au monde, unique dans l'histoire du cinéma, j'avais les larmes aux yeux en regardant vos films et je me sentais bien lourd en voyant vos danseurs en slow motion but in strong emotion."

En 2019 sera commémoré le 500ème anniversaire de la mort d'un des plus grands génies de l'humanité, Léonard de Vinci, scientifi que, inventeur, peintre... et musicien. Doulce Mémoire, qui se consacre depuis 30 ans à la musique Renaissance, a décidé de lui rendre hommage. Son directeur et fondateur, Denis Raisin Dadre, éminent spécialiste de la musique de cette époque et grand amateur d'art, a conçu un programme original: "plutôt que faire de la musique au temps de Léonard, je suis parti des tableaux eux-mêmes. J'ai travaillé sur ce que pouvait être la musique secrète des peintures, quelles musiques pouvaient suggérer ces tableaux...". Il a choisi une quinzaine de tableaux, dont beaucoup sont au Louvre: Le baptême du Christ, L'annonciation, La vierge aux rochers, Portrait d'Isabelle d'Este, La belle ferronnière, Sainte Anne, Le Saint Jean-Baptiste... et bien sûr La Joconde - qu'il a mis en correspondance avec des musiques de Jacob Obrecht, de Josquin Desprez, des laudes consacrées à l'annonciation, des frottole, des chants sur des textes de Pétrarque, accompagnés par la lira da braccio, instrument pratiqué par Vinci... "Le projet s'appuie sur deux démarches, une subjective puisque c'est un choix personnel qui préside à la sélection des musiques retenues, et une parfaitement scientifi que puisque les musiques correspondent parfaitement aux dates et au lieu de création des tableaux." Un riche livret accompagne cet enregistrement, avec la reproduction des tableaux de Vinci et des détails qui permettent d'entrer dans leur intimité. Les textes de Denis Raisin Dadre ainsi qu'une interview croisée avec Vincent Delieuvin, commissaire de l'exposition au Louvre en octobre, éclairent ces choix.

Ballet en quatre actes, chorégraphie de Heinz Spoerli, musique composée par Piotr Ilitch Tchaîkovski, orchestre de l'Opera de ZÃOrich sous la direction de Vladimir Fedoseyev, avec les danseurs Polina Semionova, Stanislav Jermakov, Arsen Mehrabyan, Karin Pellmont...

"De l'Opéra de Buenos Aires aux scènes européennes où elles ont fait chanter leur violoncelle et leur clarinette, Las Hermanas Caronni se sont affranchies peu à peu de l'académisme de leur formation classique pour se jeter dans le maelstrom musical d'aujourd'hui. Argentines de naissance et italiennes, russes et suisses d'ascendance, elles ont parcouru le monde avant de s'installer en France à la fin des années 90 où elles ont formé leur duo. Au fil de leurs albums, elles ont à chaque fois intégré de nouvelles influences qui enrichissent leur répertoire et une rencontre avec Erik Truffaz aura suffi pour convaincre le trompettiste de se joindre à elles, les deux jumelles faisant un pas de plus vers le jazz avec lequel elles ont toujours voulu flirter. Entre la beauté grave de la clarinette basse de Gianna et le violoncelle caméléon de Laura, les compositions des deux soeurs, souvent inspirées de pièces classiques ou contemporaines, les emmènent vers de nouveaux territoires, même si l'âme de la milonga rôde encore entre les notes. Un éclectisme qui ne renie rien de leurs origines mais qui confesse un appétit musical immense." (Philippe Vincent)

Les comptines populaires qu'Amen Viana, enfant à Lomé, chantait avec son école de Denouvimé mais chantait aussi pour manifester sa joie de savourer du "fétridessi". Il livre aussi sa version de Tou tou gbovi dont la mélodie a conquis toute l'Afrique francophone.

Une nouvelle vision électro-maghrébine portée par Sofiane Saidi, mêlant science orientale et urgence contemporaine, avec le son vivant et foisonnant de Mazalda : synthétiseurs analogiques, saz et cuivres nourris aux phrasés du mezoued, de la gasbah et une rythmique ultra-dansante articulée autour d'un drabki venu des profondeurs du raï.

Duncan est un garçon rêveur. Il ne perd jamais une occasion de s'échapper en penseé. Le jour ou` sa classe organise une sortie pour grimper en haut de la tour Eiffel, il se dit qu'il va pouvoir faire le voyage en busà côté de Lucy, la fille qu'il pre´fe`re au monde. Mais rien ne se passe comme pre´vu. A` Paris, Duncan est encore en train de re^ver quand le bus de´marre sans lui. Le voila` tout seul, perdu, livre´ a` lui-me^me dans la grande ville. Heureusement, Johnny Charleston un e´cureuil anglais, Kevin le rat son cousin parisien, et l'homme le plus fort des Halles de Paris, vont lui venir en aide.

"Après un retour aux sources avec l'album de standards "Time for love", j'ai eu envie d'un saut vers l'inconnu. Enrichir sa palette sonore d'un instrument oriental comme le oud, oblige à prendre un chemin de traverse, à trouver un langage, débarrassé des codes esthétiques du jazz, libéré des conventions du genre. Entourée du batteur virtuose Donald Kontomanou, du contrebassiste d'excellence Philippe Aerts, du pianiste d'exception Damien Argentieri et avec Wassim Halal aux percussions orientales comme invité, tout devient possible..." Sophie Alour.

En 2011, avec l'entrée au répertoire de "Rain", créé dix ans plus tôt par la compagnie Rosas, c'est tout un pan du monde d'Anne Teresa De Keersmaeker qui est convié à l'Opéra de Paris, offrant aux danseurs comme aux spectateurs la possibilité de s'ouvrir à une expérience kinesthésique, visuelle et auditive unique. Depuis les années 1980, la chorégraphe n'a cessé de jouer un rôle majeur dans le paysage de l'art contemporain, marquant la scène flamande émergente du sceau d'un vocabulaire singulier, initié dans l'avant-garde new-yorkaise et porté par la quête de l'écriture sous toutes ses formes. Parallèlement à un intense travail théâtral, elle a notamment développé un art de l'épure à travers des chorégraphies aux dynamiques savantes, qui cherchent "à faire jaillir la vie" dans un kaléidoscope de formes en perpétuel changement. Elaboré sur une partition majeure de Steve Reich, "Music For Eighteen Musicians" (1976), "Rain" incarne l'aboutissement d'une danse qui puise dans les principes mathématiques de la composition musicale les ressorts de sa propre polyphonie, une polyphonie des corps et du groupe, qui se matérialise aussi sur le sol de la scène, où se découpent, tel un mikado coloré, les trajectoires infinies des danseurs. Ici, musique et danse s'épousent jusqu'au souffle qui les épuise et trouvent dans l'écoute de leurs arcanes intérieurs les motifs d'une oeuvre jubilatoire et profonde où riment liberté et contrainte, rigueur et foisonnement, unité et démultiplication.

Distr.BVHE - Scé.I.TAKAHATA, mus.M.WATANOBE, Y.INO, R.FURUSAWA... Les Tanukis, animaux fantastiques et farfelus qui peuplent les forêts, entrent en guerre contre les hommes pour protéger leur habitat... Une fable écologique, mélancolique, intelligente et cocasse ! Infos DVD : Informations DVD non communiquées. Enfant de 7 à 11 ans accompagnè ; Prêt individuel uniquement ; 72, 98 Euros TTC

Invitation au Paris musical de la Belle Époque - William Youn joue des oeuvres pour piano de Gabriel Fauré, Reynaldo Hahn et Nadia Boulanger. Le premier album orchestral de William Youn pour Sony Classical, en coopération avec Deutschlandradio Berlin, est entièrement consacré au flair exubérant du Paris de la fin du siècle, avec un répertoire rare de Reynaldo Hahn, Nadia Boulanger et Gabriel Fauré - une excursion musicale dans les salons de la Belle Époque pleine de redécouvertes éblouissantes. Pour William Youn, ces oeuvres pour piano et orchestre sont des dialogues et des récits musicaux - des conversations entre le soliste et l'orchestre dans lesquelles les mélodies vagabondent, les voix intérieures se font entendre et les partenaires fusionnent musicalement. Avec une brillance clairement articulée, une interprétation sensible et une dextérité hautement virtuose, William Youn confère à cet enregistrement son caractère propre et se recommande comme un soliste orchestral sympathique.

La carrière du Sacre du Tympan a débuté il y a plus de deux décennies, mais cet album brandit sa différence avec un exercice périlleux : écrire chaque titre comme un tube en puissance. 25 musiciens font sonner des cuivres, des cordes et du clavecin... "X" (le dixième) est porté par des souvenirs très personnels, comme Goodbye Lougarock, silencieusement dédié au père de Fred Pallem, Bitches en Marbella, qui évoque à sa manière la libération des confinements successifs ou encore "L'Amour du Disque" où le compositeur raconte sa joie d'écrire pour le Sacre . " X" rappelle surtout la mission très actuelle du Sacre du Tympan : replacer la grande musique orchestrale sur la carte, comme un drôle d'endroit impossible où les envolées wagnériennes croiseraient le groove des basses de David Axelrod et la folie de Jean-Claude Vannier.