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Née en Algérie, Djazia Satour puise dans les racines musicales de sa terre natale et mélange le chaabi de l'Alger des années 50, les rythmes ancestraux des bendirs, les mélodies raffinées du banjo et du mandole avec les basses et les claviers analogiques d'une pop chaude et savoureuse") Elle sort son deuxième album, Aswât ("voix"). Le son est brut, presque palpable, tandis que les mélodies chantées en arabe d'une voix puissante, telles des hymnes, sonnent comme un appel irrésistible vers un autre monde. L'authenticité de cette artiste rafraîchissante doit autant à l'invention qu'à la tradition.

Dans La Caravane Passe, le point de vue est toujours celui du voyageur. Depuis bientôt vingt ans, Toma Feterman entraîne son groupe – et nous tous ensuite – dans un double trajet à travers les musiques des Est et des Sud de l’Europe, puis dans des tournées internationales qui s’arrêtent partout où des spectateurs rêvent de partir. En français, anglais, espagnol, catalan (la patrie de Llugs) et quelques autres langues, La Caravane Passe cavale sur les routes du partage. Le groupe invite l’ovni gnawa Mehdi Nassouli, la chanteuse flamenca Paloma Pradal, le quatuor balkano-banlieusard Aälma Dili, un accordéoniste breton, un trompettiste serbe, un cymbaliste moldave, un koriste malien, un joueur catalan de tenora – une Internationale de l’esprit nomade. Il s’agit aussi d’« inviter à la fête en ayant conscience du chaos qui nous entoure » – à mi-chemin de Nietzsche et du musicien de village. Parler du point de vue du voyageur, c’est aussi parler du point de vue du migrant, sans grand mots, sans moralisme et avec le désir furieux de danser. Aucun message politique explicite et c’est tant mieux : La Caravane Passe dit, montre et vit le plaisir, le vertige, la transe, la fraternité, la liberté. Et cela vaut tous les tracts.

Revue de presse : "Le nouvel album de Jean-Luc Thomas est à l'image des précédents : magnifique !" (Les Inrocks). Résumé : Kerlaveo, en breton, veut dire "ferme de l'audacieux". Le mot audacieux définit celui qui s'adonne à des actes difficiles et ne s'arrête pas devant les obstacles ni les dangers..Il qualifie ce qui est nouveau, osé, qui s'oppose à ce qui est établi. Ainsi, la "ferme de l'audacieux" est un lieu où la création des possibles se donne de façon spontanée, sans crainte de ne pas être comprise, de ne pas être acceptée. Né en 2014 d'une affinité musicale et humaine, Kerlaveo est un groupe de musique instrumentale qui expérimente à chaque concert à la lisière des styles musicaux. Un "jongo" breton, une "marche" celte, un "chorinho" vénézuélien, une "modinha" bulgare, tout est possible dans ce monde musical où les frontières sont de simples références, jamais des limites. Tous les morceaux sont des compositions des membres du groupe. Le disque a été enregistré dans les conditions du direct afin de traduire au mieux l'atmosphère et l'énergie d'un concert.

La richesse musicale du continent africain, forte d'une tradition que reflètent les collections de musique du monde, se prolonge aujourd'hui en une diversité remarquable. La distinction académique entre patrimoine et musique urbaine est ici dépassée : on se retrouve en présence d'un continuum représentatif de la culture vivante. Or, il n'existait jusqu'ici aucun ouvrage traitant des musiques africaines dans leur ensemble, alors qu'elles ont pris depuis vingt ans une importance considérable sur les scènes du monde entier, et plus spécialement dans l'espace francophone. En France même, dans la catégorie " musiques du monde ", elle représente plus d'un quart des CD enregistrés et plus de la moitié des programmations de concerts. Les plus grandes vedettes de la " World music " sont d'ailleurs africaines : Cesaria Evora, Youssou N'Dour, Khaled, Salif Keita... Ce livre comble une lacune en proposant avant out un " guide de voyage musical ", à la fois encyclopédique et s'adressant au grand public. IL traite de ;'ensemble du continent, du Maghreb à l'Afrique du Sud, du Sénégal à l'Egypte et à l'Ethiopie, et ne néglige ni l'océan Indien ni les diasporas africaines. Un lexique, une bibliographie, une discographie et une iconographie viennent compléter l'information.

Un album hommage à Amalia Rodriguez en yiddish. Avec "Alfama", direction Lisbonne et la langueur légendaire du fado qu'ils se réapproprient... en yiddish. Un choix aussi radical qu étonnamment naturel pour Noëmi Waysfeld & Blik, puisque les chants d'Amalia Rodrigues et les complaintes yiddish semblent partager des émotions et une sorte d'essence communes : la chanteuse Noëmi Waysfeld, incarne et réunit avec talent ce passage de l'un à l'autre. Au départ, il ne s'agissait que d'une intuition musicale. En écoutant Amalia Rodrigues et les grandes heures du fado, Noëmi Waysfeld s'était étonnée d'être émue et bouleversée par des morceaux comme "Estranha forma de vida" ou "Cansaço", de la même manière qu'elle pouvait apprécier les chants d'Europe Centrale. Ce qui n'était alors qu'un ressenti s'est précisé à la lueur des textes eux-mêmes du fado : le chant, aussi bien à Lisbonne que dans un shtetl, remplissait une mission vitale. Nécessaire. Salvatrice. Comme pour "Kalyma", le premier album de Blik, Noëmi Waysfeld tenait là un nouveau fil rouge : interpréter ces morceaux intemporels d'Amalia Rodrigues, mais dans sa langue émotionnelle, le yiddish. Peu importe que l'on parle de "saudade" portugaise, de "nostalgia" russe ou polonaise, le point commun reste la puissance symbolique du chant, plus fort que tous les drames, et toujours empreint d'un espoir surhumain.

En recherche d'un son original, les musiciens s'arment d'instruments improbables : l'accordéon Farfisa pour Jérôme Soulas, un instrument hybride accordéon/orgue électrique tout droit sorti des années 60 ; une collection d'instruments jouets pour Patrick Gigon ; un violon électrique à pédales pour Lucien Alfonso. Très vite une alchimie musicale se crée, les premières compositions naissent et donnent vie à une musique originale, burlesque, joyeuse et psychédélique, inspirée des Balkans, de l'Afrique, du Moyent-Orient, riche des différentes expériences des trois musiciens. -- En 2016, le groupe sort son premier album Altavoz. Lucien Alfonso quitte le projet ; Jérôme Soulas et Patrick Gigon décident de faire évoluer le projet comme un groupe à formation variable, ayant pour base le duo accordéon/batterie. En 2017, ils entament deux nouvelles collaborations, avec la joueuse de gadulka Pauline Willerval, et le saxophoniste et clarinettiste Laurent Clouet. Le groupe sort en mai 2019 son deuxième album Le bal des crépidules , témoignage ébouriffant de deux années de travail entre quatre musiciens atypiques. Et ce n'est que le début !!

La musique des Marx Sisters est pleine et généreuse : tantôt festive et joyeuse, tantôt mélancolique et émouvante. Leur répertoire est puisé directement dans la chanson yiddish et la musique klezmer. Pour ce deuxième album, le groupe s'est rassemblé autour d'un morceau éponyme : Arum dem fayer (autour du feu). Autour du feu, on s'y blottit quand règnent l'obscurité et le froid. Quand l'espoir semble avoir déserté. Quand on cherche un peu de clarté et de chaleur humaine, ou tout simplement quand la vie nous a poussé sur les routes et que l'on n'a plus rien. On s'y partage un peu d'espoir, on y raconte nos histoires, on se raconte soi-même, avec les moyens du bord. Le feu nous anime lorsqu'on lutte, qu'on monte des barricades ou lorsqu'on se bat pour sa vie et pour sa dignité. Dans la religion juive, le feu peut symboliser la puissance divine, le souvenir des disparus ou l'entrée dans un temps particulier. Les Marx Sisters s'emparent de la langue yiddish et la célèbrent en interprétant des morceaux traditionnels mais aussi des morceaux plus récents ou traduits de l'hébreu, et même du catalan.

Véritable caravansérail musical, EASTERN CHORBA se situe aux confins des pays d'Europe de l'est, où convergent mélodies klezmer, danses tsiganes et autres chants balkaniques et caucasiens. Partout où ils se déploient, Ces six multi-instrumentistes nous plongent dans un brassage mélodique emprunt d'une mélancolie qui nous jette sur les routes de l'exil. Pour une musique sensible qui pénètre les coeurs et transporte les corps. Tantôt grave et entrainante, tantôt nostalgique et joyeuse, à mesure qu'ils changent d'instruments, et passent d'une langue à l'autre, leur musique reflète si bien les ambivalences et tourments de l'âme humaine. De formation classique, jazz ou autodidacte, ils se réapproprient le répertoire traditionnel en y mêlant leurs influences.

La richesse musicale du continent africain, ses influences, ses genres et son histoire À l'origine du jazz, des musiques cubaines et de nombreux autres styles musicaux, les musiques africaines rayonnent aujourd'hui à l'échelle de la planète. Avec les indépendances des années 1960, des orchestres et des musiciens naissent et essaiment partout en Afrique, dans une effervescence culturelle inouïe qui s'étend sur plusieurs décennies. Des milliers d'enregistrements témoignent de cet âge d'or, de la richesse musicale qui secoue le continent et du talent de ses artistes innombrables. De la rumba congolaise aux musiques mandingue, en passant par le highlife ou l' afrobeat, c'est leur histoire que raconte Florent Mazzoleni: celle de ces nombreux courants et de ces hommes et femmes incroyables qui ont rythmé, et rythment encore, la vie du Congo, du Mali, de l'Éthiopie, du Bénin, du Ghana, du Nigeria... entre autres nombreux pays africains.

On pourrait croire ce groupe turcophone originaire d'Istanbul. Il a, en fait, été fondé à Amsterdam, fin 2016, par un bassiste néerlandais, Jasper Verhulst - officiant habituellement avec le rétro-futuriste Jacco Gardner -, tombé amoureux de l'âge d'or ("altin gün", en turc) de la scène rock anatolienne. Leur musique pourrait sembler kitch, elle se révèle au contraire d'un exotisme jubilatoire. Jasper Verhulst et sa bande reprennent à la lettre les textes des cadors du rock anatolien de la fin des années 60 et du début des années 70, tout en insufflant à leurs reprises des harmonies et une énergie empruntées à la pop d'aujourd'hui.

C'est la première fois que Djelimady Tounkara propose un projet entièrement instrumental, avec des couleurs différentes de ses précédents albums, qui mets en valeur toutes ses qualités stylistiques et ses talents de guitariste, d'improvisateur et de compositeur. Enregistré à Bamako au studio Yéleen avec les jeunes musiciens qui constituent ce nouveau groupe et qui l'accompagnent en tournées, produit par Christian Mousset pour Label Bleu, "Djely blues" est l'album le plus personnel, le plus original et le plus accompli de Djelimady Tounkara.

Ce nouvel album de Noëmi Waysfeld présente les trésors des chansons yiddish traditionnelles et originales, sous la forme d'une rêverie libre, solaire et minérale. Ce voyage musical nous fait découvrir la beauté des chansons traditionnelles, mêlées à des compositions originales sur les poèmes de Rivka Kopé et d'une reprise elle aussi en yiddish d'A peine de Barbara. Un album emprunt de sensualité et de spiritualité de la chanson yiddish!

Après le succès de son dernier album, Crazy Horse (20 millions de vues sur Facebook, des tournées internationales... ), Mathias Duplessy et ses acolytes reviennent avec " Brothers Of Strings ", un album toujours plus audacieux et créatif, composé de voyages imaginaires .. Ici , un boléro lancinant aux épices d'Asie (Texas Boléro), là , une valse lente aux effluves Japonaise (A Japanese in Paris), un jazz manouche chinois (Chinese Dumplings) ou un hommage à Bruce Lee (Kung-Fu)... Cet opus est complètement euphorisant, un véritable feu d'artifice de couleurs et d'énergie. La Guitare de Mathias vogue avec grâce et aisance dans tous les registres, enrobe et soutient les trois vielles qui s'entremêlent et se détache toujours harmonieusement. Le Vielle mongole d'Epi a souvent des accents de Gibson saturée, rock ou blues, tandis que le Erhu sensuel de Guo Gan s'aventure avec délice dans des improvisations " Grapeliennes " ou orientales. Le Nyckelharpa d'Aliocha, toujours d'une grande élégance tant au niveau des ornements que de la dynamique nous impressionne dans la reprise " Brothers In Arms " de Dire Straits, un des joyaux de l'album. L'autre reprise de l'album est une version déjantée du " Bon, la Brute et le Truand " de Morricone. On est plongé dans une chevauchée entre Western et Mongolie où la voix hallucinante d'Epi (qui couvre quasiment 4 octaves) nous fait littéralement décoller. En écoutant l'album " Brothers of Strings " nous sommes comme dans un film différent à chaque morceau et une envie se fait vite ressentir, celle de les voir sur scène..

La force la plus naturelle est issue de ces quatre éléments: la terre, l'eau, l'air et le feu. Ces quatre forces fusionnent l'art et la vie. Il a semblé nécessaire à Emel Mathlouthi pour son 3e album Everywhere We Looked Was Burning de remonter à la source, à cette part de l'Univers qu'on a trop peu considérée. C'est dans la nature qu'Emel a retrouvé la flamme de son combat ainsi que les armes pour le mener à bien. À la fois théâtre victime de notre débâcle et puissance menaçante, la nature et ses attributs mythiques ont inspiré ce nouvel opus qui invite à l'union, le recueillement et à l'action. Malgré des différences frappantes avec ses précédents travaux, Everywhere We Looked Was Burning doit d'abord se comprendre dans la continuité d'Ensen (2017). Après la révolte de Kelmti Horra et le questionnement identitaire d'Ensen, ce nouveau disque s'attaque au dehors. Le même regard mélancolique et désabusé se tourne vers l'extérieur et s'adresse directement au monde grâce à une poésie écrite en langue anglaise.

Dans cet album El Mutakallim n (Masters of Word), Souad Massi se plonge dans la poésie arabe et utilise quelques-uns des plus importants poèmes du Millénaire comme paroles pour sa plus belle collection de chansons.