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Les origines et les influences caribéennes des compositions d'Aniurka nous invitent au voyage. Entre « Son, Boléro, Cha-cha-cha, Trova jazz » et autres styles de la musique cubaine, elle nous amène à découvrir de façon subtile, l’aspect éclectique de ses inspirations.

Laboratoire d'expérimentation sonore, le Mauskovic Dance Band dessine les contours d'une musique affranchie de tout carcan, de toute règle de style, de toute barrière de genre. Véritable univers en expansion, leur répertoire s'articule autour de rythmes élastiques, d'une touche dub et post-punk tout en restant résolument tourné vers le dancefloor. Tandis que leur premier album de 2019 sur Soundway Records offrait un mélange frénétique, imprégné de champeta colombienne, de highlife ghanéen et de disco espacé, leur nouvel album Buckaroo Bank, dont la sortie est prévue sur le label suisse Bongo Joe Records, se nourrit des sons industriels de New York City, du post-punk et des premiers explorateurs électroniques. Au centre du projet se trouve le dub, guidée par leur héros universel Lee Scratch Perry et rendue possible par leur ingénieur du son Kasper Frenkel qui a fourni les outils de cette nouvelle philosophie du riddim Mauskovic. Véritable groupe familial (4 d'entre eux sont apparentés), dirigé par Nico Mauskovic qui fait également partie du groupe de tournée Zamrock W.I.T.C.H., le groupe a sorti plusieurs singles depuis son premier album.

Le 25e CD du guitariste Joel Harrison, Anthem of Unity, réunit des musiciens exceptionnels pour son disque le plus pointu à ce jour. L'équipe du virtuose Gary Versace, avec son orgue B-3 très soul, Greg Tardy, aux cuivres, et le légendaire batteur Jack DeJohnette, présente une musicalité extraordinaire dans un programme de six originaux de Harrison, Sonny Rollins et Bob Dylan dans "The Times They Are A-Changin". Tardy montre ici l'étendue de ses capacités considérables, développant des idées et des phrases intéressantes tout au long de ses nombreux solos.

La créativité du trio semble couler de source, aussi fluide que jubilatoire. L'origine du trio M.O.M., c'est une rencontre inattendue sur le plateau de tournage de la série Netflix " The Eddy ". Entre Jowee Omicil et Louis Moutin, la connexion est immédiate, instinctive. François Moutin, de passage à Paris à la fin du tournage, se joint à Jowee et Louis pour quelques home-sessions. Le trio y improvise en toute liberté sans aucune convention préalable, porté dans l'instant par le fil de l'imagination et par l'écoute collective. Un son surgit, des mélodies naissent. Un univers s'ouvre, au point d'équilibre des trois personnalités. Naturellement, la créativité du trio semble couler de source, aussi fluide que jubilatoire. M.O.M., c'est une musique à la fois joyeuse, intense, profonde et spontanée. Quelques mois plus tard, pas de cadre, pas de contrainte, on ouvre les portes en grand. On ouvre et on déploie le Studio comme un origami, quatre journées dans le magnifique espace de Sextan, pour une musique intensément libre.

Au début de la crise du coronavirus, Anna Prohaska a proposé à Wolfgang Katschner et à la lautten compagney d'organiser spontanément une rencontre musicale pendant cette période troublée. C'est ainsi qu'est né le projet #ERLÖSUNG/REDEMPTION (" rédemption "), une suite de morceaux musicaux uniquement extraits des cantates de Bach, choisis et disposés en fonction de l'idée évoquée par le titre. À nos yeux, cette expression d'ERLÖSUNG/REDEMPTION peut renvoyer à des significations diverses, à des questions comme : la musique peut-elle nous apporter du réconfort en temps de maladie et de crise ? Peut-elle nous ouvrir des espaces d'émotion et de contemplation ? Pour nous autres, musiciens, est-il rédempteur d'être les " instruments " qui font naître la musique et donc la spiritualité... ? Outre la soliste, Anna Prohaska, et trois autres chanteurs pour les quelques choeurs intervient un groupe plus important de musiciens, une vingtaine d'instrumentistes qui représentent la lautten compagney et qui se subdivisent pour accompagner les airs qu'Anna chante - ce qui est aussi une sorte de déclaration ou de signe de vie de ce collectif qu'est l'ensemble en temps ordinaires.

Bien que beaucoup de gens ne s'en rendent pas compte, Porto Rico est le foyer d'une scène de jazz dynamique et florissante. C'est ici que le trompettiste de Latin Jazz Charlie Sepúlveda vit et joue la majeure partie de son temps, tout en gardant un pied à New York où il est né.Entouré de musiciens 5 étoiles, Charlie Sepuveda, l'un des instrumentistes, leaders et compositeurs les plus aimés et respectés du Latin Jazz, nous livre un enregistrement live de toute première importance et qui fera date.

Pour son 11ème album en tant que leader, le saxophoniste Sylvain Beuf a souhaité s'entourer d'amis de longue date avec qui, s'est développé au fil du temps, une complicité artistique et humaine. En 2018, il crée un trio avec l'organiste Damien Argentieri et le batteur Fabrice Moreau. Deux ans plus tard et en pleine crise sanitaire l'enregistrement est repoussé de six mois donnant aux musiciens l'occasion de repenser ce projet autour d'un nouveau répertoire constitué d'une relecture de standards du jazz et de compositions originales. C'est en décembre 2020 que le pianiste et accordéoniste Tom Olivier Beuf rejoint la formation pour les sessions d'enregistrement au studio de Meudon.'Time feel'est l'occasion de présenter une formation de quatre musiciens de génération différente. L'instrumentation originale entre orgue, piano, saxophones et batterie ouvre à travers les treize titres de l'album, un espace d'improvisation et de jeu sans cesse en mouvement :'Rompre les barrières entre des morceaux qu'ils soient d'hier ou d'aujourd'hui en laissant la place à notre imaginaire et à nos émotions a été formidable à réaliser ensemble en studio.'Sylvain Beuf.

Pour marquer le 250e anniversaire de la mort de Giuseppe Tartini, Mario Brunello et l'Accademia dell'Annunciata célèbrent l'une des grandes collaborations de l'histoire de la musique du XVIIIe siècle : celle de Tartini et Antonio Vandini, violoncelliste né à Bologne (berceau de l'école italienne du violoncelle), actif à Padoue pendant cinquante ans et l'auteur de la première biographie de Tartini, qu'il connaissait depuis les années 1720. Deux concertos pour violoncelle de Tartini, probablement destinés à son ami et collègue, ainsi que l'unique concerto conservé de Vandini sont ici réunis pour la première fois. Selon les témoignages de l'époque, Vandini "jouait de façon à faire parler son instrument". Cet instrument est le violoncelle piccolo des virtuoses de Padoue au milieu du XVIIIe siècle, joué ici par Mario Brunello. Le coeur expressif des concertos réside dans les splendides mouvements lents : chez Tartini, de longs arcs mélodiques créent un monologue interne libre, tandis que la riche ornementation rappelle les motifs folkloriques de la région des Balkans, qu'il connaissait certainement. Dans son merveilleux Andantino, Vandini offre au violoncelle une mélodie vivaldienne symétrique qui se développe en dialogue avec l'orchestre.

Avec la bataille de Pavie en 1525, une longue période de domination espagnole commence pour Milan. Sous le règne de Charles V, les arts et la musique fleurissent. Antonio de Cabezón traverse l'Europe en visitant Milan en 1548 et sa musique influence les grands compositeurs européens. Contrairement aux instruments à clavier, le luth et la vihuela ont déjà un vaste répertoire imprimé. La combinaison d'un instrument à clavier (tecla) avec la vihuela (appelée "viola da mano" en Italie) est courante dans les sources d'influence espagnole de cette période, qui portent souvent l'indication "para tecla y vihuela". Evangelina Mascardi (Arcana A368) et Maurizio Croci, solistes établis dans le panorama international de la musique ancienne, explorent les affinités, les contrastes et, selon les mots d'un chroniqueur passionné de l'époque, les "imitations inouïes" qui surgissent du dialogue entre les deux instruments. Leur projet de recherche, mené à la Haute École de Musique de Lausanne (HEMU) avec l'implication de divers partenaires internationaux, a conduit à la découverte de nouvelles interprétations qui offrent à un immense répertoire de très haute valeur musicale, des perspectives inédites et fascinantes.

Un cheminement aérien et sensible vers une éclaircie intérieure... Dans l'univers de Rouge, trois pigments suffisent à déstabiliser les couleurs connues et nous entraînent dans une odyssée chromatique. Entourée de Sylvain Didou (contrebasse) et de Boris Louvet (batterie), la pianiste Madeleine Cazenave déploie sa palette sonore sans jamais s'emmêler les pinceaux. Il y a quelque chose de Satie, de Ravel dans les accents classiques, symbolistes, et à l'autre bout du spectre, les tons chauds-froids de Tigran Hamasyan, E.S.T ou Gogo Penguin. L'une des grandes réussites du trio, c'est cette manière unique de tisser une résille mélodique pour y tendre des lignes de basse et capturer le grésil percussif. A partir des compositions de Madeleine Cazenave, les trois alchimistes de Rouge cherchent ensemble, jusqu'à parfaire la vibration collective. Leur premier album "Derrière les paupières" évoque une traversée orageuse, un cheminement aérien et sensible vers une éclaircie intérieure. Avec une simplicité apparente, les musiciens créent les conditions de l'immersion contemplative et hypnotique, pour mieux nos entrainer au coeur du mystère : on plonge avec bonheur dans le velours noir d'Abysses et la mélancolie rock de Brumaire en passant par la joie jubilatoire d'Etincelles.

Les plus grands chefs-d'œuvre du ballet magnifiés par les somptueuses peintures  d'Olivier Desvaux. Découvrez quinze airs sélectionnés par David Pastor, directeur artistique de l'Ensemble Agora, et présentés par une notice qui dévoile des anecdotes sur l'histoire du ballet.Des pistes tirées de : La Sylphide, Giselle, Faust, Don Quichotte, Coppelia, Sylvia, Le Lac des Cygnes, La Bayadère, La Belle au Bois dormant, Casse-Noisette, Prince Igor, L'Oiseau de feu, Le Sacre du Printemps, Roméo et Juliette.Écoutez cette suite de ballets grâce au CD inclus dans le livre où sur les principales plateformes de streaming.

Après l'accueil de l’album ‘Babyland’ plébiscité par la presse et le public, le pianiste Adrien Chicot revient avec un cinquième album en quintet : ‘Sound of Eymet’. - - Fort des intimités créées sur scène avec ses musiciens, Adrien brode, polit, façonne pianissimo des morceaux pour que chacun y entende dedans sa petite musique intérieure… - - ... Que l’inestimable rondeur du bois de Sylvain Romano à la contrebasse trouve l’ancrage sonore qu’elle mérite... Que la musicalité insatiable du batteur Antoine Paganotti ait son festin gargantuesque... Que la fougue improvisatrice de Ricardo Izquierdo s’exprime en suprême liberté... Que l’ossature binaire du jeu de Julien Alour puisse joyeusement chalouper… - - L'instinct musical notoire d’Adrien Chicot ne se sera pas trompé avec ce casting sur mesure au service duquel il met ses irremplaçables talents de mélodiste et rythmicien. - - Dans ce nouveau projet, Adrien Chicot, véritable électron libre de la scène jazz française, transcende l’espace musical dans ses frénésies comme dans ses apesanteurs et libère toujours plus sa créativité singulière faisant de lui un compositeur majeur de sa génération.

Disparu de la sphère musicale pendant des décennies, à tel point que certains le croyaient mort, le chanteur Malan Mané, voix incontournable du peuple de Guinée-Bissau au sein du groupe Super Mama Djombo, a enregistré début 2022 son premier album solo, à Lisbonne, aux célèbres studios Valentim de Carvalho, là même où furent gravés en 1979 les enregistrements historiques du groupe légendaire. - - Au programme, onze chansons qui invitent bien souvent à s’épancher sur le parquet, rythmiques collé-serré, guitares au taquet et voix un brin éraillées, juste bien perchées, qui en appellent aux valeurs de l’amitié et de la fidélité, qui disent que la liberté n’a pas de prix – et ça, Malan l’a chèrement payé –, qui scandent les grands noms qui ont permis à l’Afrique de songer à se construire un avenir : Nelson Mandela, et puis Amilcar Cabral, celui qui fournit encore le diapason en donnant son surnom, ‘le fils du lion’, comme titre de cette résurrection. Tout un symbole - - - - Ce splendide album aura mûri pendant trente ans, condensé des plus belles chansons que Malan ciselait dans la solitude de l’exil. Mélancolie bouleversante du chef d’oeuvre ‘Recado’, en forme d’adresse au peuple durant la guerre civile de 1998. Euphorisantes rythmiques afrobeat de ‘Lana ribada’, souvenir des clairs de lune dans les campagnes de Guinée-Bissau. Humour délicieusement chaloupé de désir de ‘Ma Na Balança’. Il y a chez Malan un art de faire sourire et d’émouvoir à la fois, quelque chose d’une grâce dans le souffie, dans l’élégance et l’énergie du phrasé, dans la jubilation du jeu de répons avec les chœurs. Il y a aussi une grandeur, une fierté : hauteur extraordinaire d’où pense le musicien dans Nelson Mandela. Sincérité déchirante de la solitude racontée dans ‘Tubabubdu Sio (Au pays des blancs)’. Cette solitude, le retour au studio l’aura rompue début 2022. Et c’est ce bonheur aussi qu’on entend. Bonheur de retrouver les complices d’autrefois, Sadjo, Tundu, Armando. De retrouver l’entente toujours instantanée, l’exigence intacte. Bonheur après certaines prises d’avoir la certitude que c’était là, ce je ne sais quoi qui fait tout. Bonheur de retrouver la musique, tout simplement. Sylvain Prudhomme

Groupe pionnier et novateur de la french pop depuis 2010, référence incontournable célébrée ici comme ailleurs, La Femme revient opportunément Foutre le bordel pour paraphraser l'un des quinze titres de Paradigmes, un troisième album qui va enfin réchauffer 2021. Après les succès de Psycho Tropical Berlin (2013) - couronné d'une Victoire de la musique - et de Mystère (2016), tous deux disques d'or acclamés par la critique, La Femme poursuit son chemin avec ce 3ème album qui établit les nouveaux "Paradigmes" sur un disque d'une variété inouïe, d'une ambition folle et d'une richesse étourdissante. En mouvement perpétuel, en effervescence permanente, les quatre comparses évoluent au gré´ des courants musicaux contemporains, empruntant ici à l'électro, la` au rap, sans jamais perdre les racines rock sixties et seventies qui les ont inspirés a` leurs débuts depuis la côte basque. Avec Paradigmes, La Femme agrège l'adrénaline de Psycho Tropical Berlin à la folie douce de Mystère, catapultant tous ses fantasmes esthétiques et ses obsessions musicales dans un bain bouillonnant. Créant des plages musicales mémorables et addictives, les deux songwriters piochent dans leurs références XXXL (du Velvet à Kraftwerk, de Morricone à Moroder, de Gainsbourg à Marie et les garçons, des Beach Boys à Zouzou) l'éventail d'un spectre musical aussi varié que coloré. Avec son nom de groupe en pleine résonance avec les mutations du paradigme masculin/féminin, La Femme compose, encore une fois, la bande-son libre, foutraque, inattendue, turbulente, joyeuse, décomplexée et alternative de l'époque. Après une année 2020 a` oublier définitivement, 2021 ne pouvait pas mieux commencer que sous le signe de La Femme, un groupe qui mélange le passé au présent, tout en imaginant l'avenir.

La soprano Jodie Devos rejoint Alpha pour plusieurs enregistrements et signe ici un hommage à Offenbach, dont on célèbre le bicentenaire de la naissance en 2019. Ce programme témoigne de la fascination d'Offenbach pour les chanteuses à la technique vocale pyrotechnique. Cet emploi lyrique - appelé tour à tour "chanteuse d'agilité" ou "chanteuse-roulade" - trace comme un fil conducteur entre la plupart des uvres du compositeur, depuis les premières pièces pour deux ou trois personnages aux grandes fresques de la maturité que forment La vie parisienne, Robinson Crusoé et Orphée aux Enfers.