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Avec ce programme, l'ensemble El Gran Teatro del Mundo invite le public a vivre une experience musicale qui s'appuie sur le celebre monologue de Sigismond dans La Vie est un songe de Pedro Calderon de la Barca. Les textes allegoriques de cet auteur baroque espagnol sont le point de depart d'un voyage musical nocturne au cours duquel l'auditeur est emporte dans un tout autre monde. El Gran Teatro del Mundo propose une interpretation exclusivement instrumentale de certains grands moments des operas baroques francais, empruntant un chemin imaginaire au coeur des differents episodes d'une nuit de sommeil.

Apollo: Atmospheres & Soundtracks a été écrit, produit et interprété par Brian Eno avec son frère Roger et Daniel Lanois. La musique a été enregistrée en 1983 pour le documentaire, For All Mankind, réalisé par Al Reinert. Le film, au lieu de se concentrer seulement sur les faits a cherché à évoquer les aspects humains de cette extraordinaire odyssée. Raconté par les astronautes eux-mêmes, ils se souviennent et commentent les images, qu'ils ont eu le privilège de voir, de vivre, au nom de l'humanité (For All Mankind). À l'occasion du 50e anniversaire de l'atterrissage sur la lune d'Apollo 11, une nouvelle édition remasterisée et augmentée de 11 nouvelles compositions réimaginant la bande originale de For Mankind ont été enregistrées. La musique de l'album original a été streamée plus de 300 millions de fois. Depuis sa sortie, de nombreuses chansons d'Apollo ont été utilisées dans de nombreux films et publicités notamment Trainspotting, Traffic, et 28 jours plus tard. An Ending (Ascent) a également été utilisé lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Londres en 2012.

Récompenses : 4 clés Télérama (janvier 2016). Revue de presse : "Le chef catalan Jordi Savall et ses musiciens mènent tambour battant cette évocation pittoresque, aux vives couleurs et aux tempéraments contrastés. Les vents, comme de juste, s'illustrent, de même que les percussionnistes, mais les cordes ne sont pas en reste, qui distillent tour à tour l'angoisse et le soulagement. - Sophie Bourdais, Télérama n°3446). Ce double-album est une invitation à explorer les forces de la Nature, dépeintes avec tant de vivacité par les compositeurs européens au tournant des XVIIème et XVIIIème siècles. Jordi Savall enregistre pour la première fois Les Elements de Jean-Féry Rebel et démontre sa maestria dans le répertoire orchestral baroque, à la tête d'un Concert des Nations qui allie beauté des timbres et finesse de l'articulation. De nouveaux enregistrements d'oeuvres de Locke, Vivaldi, Marais, Telemann et Rameau - une répertoire varié où Jordi Savall a déjà laissé des versions de référence - forment le complément bienvenu à cette entrée en matière haute en couleur. Une prise de son aérée met en valeur la chaleur des timbres sans résonance excessive et permet à chaque instrumentiste de briller.

Entre musique sacrée et opéra baroque. Novateur dans son traitement de l’harmonie comme du contrepoint, l’extraordinaire Stabat Mater est l’une des rares pages de musique sacrée qui nous soient parvenues de Domenico Scarlatti. En complément de ce chef-d’œuvre, Bertrand Cuiller et les musiciens du Caravansérail nous invitent à découvrir son apport aux répertoires de l’opéra et de la cantate profane, injustement délaissés : un voyage haut en couleurs entre Naples, Rome et Madrid.

Franchir les frontières qui séparent les genres, c'est ce qui anime Aquaserge, groupe de pop expérimentale à géométrie variable, dont l'influence rayonne bien au-delà de l'Hexagone. Avec ce 6ème album, le groupe fait le pari heureux d'explorer les eaux intérieures de la musique dite contemporaine du milieu du 20e siècle, à travers quatre de ses grandes figures atypiques: Giacinto Scelsi (1905-1988), György Ligeti (1923-2006), Edgard Varèse (1883-1965) et Morton Feldman (1926-1987). En s'inspirant de l'approche de ces compositeurs en matière de dynamique, de textures sonores et de durée, notamment des jeux de timbres et d'oscillations qu'affectionnait Scelsi, des clusters mouvants de Ligeti, du cubisme mélodique de Varèse ou des partitions graphiques de Feldman, Aquaserge invite à s'affranchir des règles territoriales d'une certaine musique savante, grâce à une instrumentation hybride mi-rock mi-classique croisant geste intuitif et rigueur sur papier millimétré. Canons de synthétiseurs, fugues de soufflants, épisodes de guitares spectrales, le nouveau disque d'Aquaserge s'articule autour de trois pièces lentes, étirées, aériennes, dans lesquelles les timbres des instruments se fondent les uns dans les autres pour constituer une fascinante matière sonore, à la fois mouvante et immobile, comme dans certaines oeuvres de Ligeti et Scelsi. Ces morceaux alternent avec des moments libres et explosifs (hommages à Varèse et Feldman), ainsi que trois reprises de rares chansons écrites par ces deux derniers compositeurs, histoire de ne pas oublier le goût d'Aquaserge pour les mélodies pop romantiques. Ces compositions seront interprétées, aux côtés de quelques autres, dans le spectacle musical et théâtral monté par Aquaserge, intitulé The possibility of a new work for Aquaserge - Perdu dans un étui de guitare. L'album paraît dans le cadre de Made to measure, la fameuse composers' series de Crammed Discs, qui est relancée cette année.

"C'est dans les réserves de la Bibliothèque Royale de Bruxelles que se trouve l'unique exemplaire imprimé des 12 Fantaisies pour flûte seule de Telemann. Ces Fantaisies enrichissent considérablement le maigre corpus baroque d'ouvres pour flûte sans basse, aux côtés de deux autres joyaux, la Partita de J.S. Bach et la Sonate en la mineur de C. P. E. Bach. Organisé par tonalités (les 12 plus naturelles à l'instrument), montant progressivement du ton de LA à celui de SOL, un tel cycle pour flûte seule est unique au répertoire. (.) Ayant chacune leur propre climat, ces fantaisies sont des miniatures qui enchaînent 3 ou 4 mouvements de même ton. Elles ont en commun la concision, la brièveté des formes et l'alternance rapide de leurs mouvements. Telemann joue sur les effets de contraste et de surprise par l'alternance de caractères et de tempi opposés. La forme ouverte de la fantaisie offre au compositeur un champ idéal de liberté et d'expression de son imagination inépuisable. Acteur fervent de la réunion des goûts allemand, italien, français et polonais, Telemann couvre tous les genres, les styles nationaux et les styles d'écriture de son temps." (François Lazarevitch)

Paul Jarret et Jim Black ont en commun un goût prononcé pour les improvisations aventureuses issues des musiques dites libres, et ont tous deux baigné dans la culture indie rock des années 90. Ensemble, pour Talents Adami Jazz, ils ont décidé de concevoir Ghost songs, à partir de compositions de Paul Jarret, écrites spécialement pour le projet afin de proposer une création neuve et inédite. Autour de mélodies volontairement simples, presque pop ou folk, le but est de laisser agir l'expression individuelle et surtout collective de ces fortes personnalités musicales, en laissant énormément de place au son, au silence, à l'improvisation et l'interaction. Ils seront accompagnés de Jozef Dumoulin et Julien Pontvianne.

Renaud Garcia-Fons & Claire Antonini, deux musiciens atypiques, ont créé ce duo il y a déjà plusieurs années. Celui-ci s'est enrichi au fil du temps, chacun y apportant les résonances de son parcours et de sa passion pour la musique ancienne, le jazz et les musiques d'orient au sens large. Il en résulte une vision innovante de la rencontre des musiques d'Orient et d'Occident. Leur répertoire, essentiellement constitué de compositions originales, propose 19 courtes pièces qui telles des miniatures racontent cet itinéraire imaginaire, à la croisée de ces différentes cultures. Ici, la contrebasse se fait ney, le théorbe se fait setar, les deux instruments font entendre leur voix, la riche combinaison de leurs timbres et de leurs modes de jeux dans des orchestrations toujours renouvelées.

La jubilation très italienne avec laquelle Luciano Berio a créé en 1972 cette oeuvre vocale et instrumentale a été comparée à celle des madrigalistes de la Renaissance, voire d'un Rossini. Rien de moins scolaire, en effet, que ce récital où la voix humaine, celle de son épouse Cathy Berberian en l'occurrence, est traitée que comme un matériau brut, concret. Berio donne à l'auditeur émerveillé l'impression d'assister à la naissance même de la musique, encore ruisselante de toutes les couleurs de la vie.

ÁTTA, huit en islandais, pour ce 8eme album studio de Sigur Ros. 10 ans que le groupe mythique n’avait pas sorti d’album et l’attente en valait la peine tant ATTA nous transporte dès les premières notes dans l’univers si singulier de Jónsi, Georg Holm, et Kjartan Sveinsson (qui fait son retour après avoir quitté le groupe en 2012).

Joël Grare, percussioniste et infatigable chercheur de sons et d'instruments rares, signe ici sont troisième album chez Alph: "Des pas sous la neige, premiers sons de l'innocence, sonnailles et grelots, happés par la montagne".... Au fil de ses compositions et de ses inspirations (Debussy, Bartók), il chemine au gré de ses émotions de ses incroyables instruments: Tambours, balafon, mélodica sont rejoints par les tambours japonais et autres sanza, sonnailles, toupins, trompiki, bâton de pluie, plaque à tonnerre.... ainsi que son fameux clavicloche: "un début d'après-midi de janvier 1986, je me rendis chez Devouassoud à Chamonix, fabricant de clarines et de sonnettes qui ornent le cou des bêtes et emplissent la montagne de leurs tintements (…) J'intégrais ses cloches à mon set de batterie. Sans imaginer que ces nouvelles venues, suspendues au milieu de mes cymbales, deviendraient au fil des ans un instrument à part entière. Il faut savoir que contrairement aux cloches d'églises, dont le cahier des charges sur l'accord est très strict, la justesse des sonnailles est toute relative. Quelques notes suffisent pour repérer le troupeau, on parle alors de sourdes pour les graves et de claires pour les aiguës. Quand vous cherchez à obtenir un jeu au diapason, sur plusieurs centaines de cloches testées, peu sont élues... constituer un jeu chromatique de 3 octaves et demie m'a demandé une bonne vingtaine d'années!" Joël Grare

" Une ode au silence " : c'est ainsi que le claveciniste Jean Rondeau définit les Variations Goldberg de Bach. " Je considère qu'elles furent écrites pour le silence, en ce sens qu'elles se substituent au silence ". " Bach tient tout entier dans les Variations Goldberg... toute sa musique y est présente... et c'est une oeuvre que je vais, sans nul doute, explorer jusqu'à la fin de mes jours ". Dans la phase préparatoire de cet enregistrement, Jean Rondeau a consulté une édition conservée à la Bibliothèque Nationale comportant des annotations qui sont de la main même de Bach. Il ajoute : " Me plonger dans ce document précieux m'a aidé à faire les choix que j'ai ressentis comme les plus authentiques ". Jean Rondeau exécute ce corpus de variations dans sa forme la plus complète, en effectuant toutes les reprises et en distillant des silences mûrement pensés. Jean Rondeau joue sur un clavecin Jonte Knif & Arno Pelto d'après un modèle allemand.

Diapason d'or