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Avec ce programme, l'ensemble El Gran Teatro del Mundo invite le public a vivre une experience musicale qui s'appuie sur le celebre monologue de Sigismond dans La Vie est un songe de Pedro Calderon de la Barca. Les textes allegoriques de cet auteur baroque espagnol sont le point de depart d'un voyage musical nocturne au cours duquel l'auditeur est emporte dans un tout autre monde. El Gran Teatro del Mundo propose une interpretation exclusivement instrumentale de certains grands moments des operas baroques francais, empruntant un chemin imaginaire au coeur des differents episodes d'une nuit de sommeil.

La star du jazz vocal (aux 2 millions d’albums vendu) nous livre son premier album orchestral en 20 ans d’une carrière extraordinaire. Servie par un grand orchestre de plus de 70 musiciens, Stacey Kent visite dans I Know I Dream la quintescence de son répertoire, avec trois créations en français («Les amours perdues» de Juliette Gréco écrit par Gainsbourg, «La Rua Madureira» de Nino Ferrer, et «Avec le temps» de Léo Ferré), quatre nouvelles compositions et 5 reprises d’immenses standards de la musique brésiliennes et de Carlos Jobim. Enregistré aux fameux Angel Studios à Londres et sublimé par la production léchée de Tommy Lawrence et Jim Tomlinson, I Know I Dream est un album à part dont l’intensité et la qualité atteignent un niveau exceptionnel

Récompenses : 4 clés Télérama (janvier 2016). Revue de presse : "Le chef catalan Jordi Savall et ses musiciens mènent tambour battant cette évocation pittoresque, aux vives couleurs et aux tempéraments contrastés. Les vents, comme de juste, s'illustrent, de même que les percussionnistes, mais les cordes ne sont pas en reste, qui distillent tour à tour l'angoisse et le soulagement. - Sophie Bourdais, Télérama n°3446). Ce double-album est une invitation à explorer les forces de la Nature, dépeintes avec tant de vivacité par les compositeurs européens au tournant des XVIIème et XVIIIème siècles. Jordi Savall enregistre pour la première fois Les Elements de Jean-Féry Rebel et démontre sa maestria dans le répertoire orchestral baroque, à la tête d'un Concert des Nations qui allie beauté des timbres et finesse de l'articulation. De nouveaux enregistrements d'oeuvres de Locke, Vivaldi, Marais, Telemann et Rameau - une répertoire varié où Jordi Savall a déjà laissé des versions de référence - forment le complément bienvenu à cette entrée en matière haute en couleur. Une prise de son aérée met en valeur la chaleur des timbres sans résonance excessive et permet à chaque instrumentiste de briller.

"Keep Me In Mind" de Miriam Makeba était son dernier album pour Reprise et reflétait des changements majeurs dans sa vie personnelle et politique aux États-Unis. Makeba a pris la décision de retourner en Afrique suite à une invitation du Président Sékou Touré de Guinée. À Conakry, Makeba a rencontré Stokely Carmichael, président de l'organisation de défense des droits civiques et ils se marieront plus tard. "Avec la guerre du Vietnam, les manifestations étudiantes et les émeutes dans les ghettos, tout le monde a peur", a déclaré Makeba. "Tout le monde a peur qu'il y ait un grand soulèvement noir." Les concerts de Makeba ont été largement annulés et Carmichael et elle ont été suivies sans relâche par le FBI. Reprise a également mis fin à son contrat mais a fait appel au producteur Lewis Merenstein pour son dernier enregistrement pour le label, surtout connu pour son travail avec Van Morrison sur "Astral Weeks". Merenstein a suggéré deux chansons de Van pour Makeba à reprendre et d'autres chansons ont été ajoutées pour refléter à la fois le climat politique et les propres souvenirs de Makeba, y compris Stephen Stills. Parmi les nouvelles compositions de Makeba et de sa fille Bongi, "Lumumba", un hommage personnel au leader indépendantiste congolais, Patrice Lumumba. Reflet de l'époque, l'album est imprégné d'un désespoir palpable mais, comme dans toute sa musique, une détermination tranquille transparaît toujours. Cette nouvelle réédition de "Keep Me In Mind" est présentée dans ses illustrations originales et comprend des photos rares et de nouvelles notes. Remasterisé à partir des bandes originales.

Theorem Of Joy est certainement un des plus beaux projets français aujourd'hui, d'une classe folle et initié par l'excellent contrebassiste et multi-instrumentiste Thomas Julienne. Entre musique et voix avec un grand "V", on retrouve de ce côté des micros la sublime Ellinoa et le non moins sublime Loïs Le Van qui viennent distiller leur art sur les pistes de ce merveilleux album ! "Miserere Seigneur du fond des microphones", comme le hurlait l'ami Ferré (Album : Amour Anarchie : Ferré 70 Vol. 2 (1970) - Psaume 151), on savoure beauté et magie des instants sur les pistes de cet album d'une poésie singulière et au charme non dissimulé. Theorem Of Joys est un concept de liberté et de grands espaces, de rêves, d'incertitudes et d'amour de la musique, puisant ici ou là dans les imaginaires collectifs qui ont construit nos oreilles d'Européens pour en tirer le meilleur. L'accordéon de Laurent Derache vous tire de la poésie pour vous faire envoler vers le rêve, alors on se laisse prendre par la main, c'est L'hiver, oui, mais voici un feu de bois au fond de la pièce et l'on regarde la neige tomber, symbolisée par les descentes de violons. Les pistes de cet album défilent, vous êtes bien installés... préparez-vous à prendre entre les deux oreilles "Tomorrow Riots" sur lequel le batteur Tom Peyron sème le trouble pour notre plus grand plaisir. Et quel bonheur d'entendre aussi sur ce même titre le tromboniste Sébastien Llado, dont on aimera tant un album. Qui sait, peut-être un jour... Theorem Of Joy, c'est comme traverser une galerie d'art ou les yeux s'émerveillent et se perdent sur des tableaux sublimes, entre "lalalala" et textes finement ciselés, c'est pourquoi les rédactions de Paris-Move et de Bayou Blue Radio placent L'hiver dans les "Indispensables", ce qui n'est que mérité, surtout en terminant cette chronique en écoutant le délicieux titre "Convergences".

Entre musique sacrée et opéra baroque. Novateur dans son traitement de l’harmonie comme du contrepoint, l’extraordinaire Stabat Mater est l’une des rares pages de musique sacrée qui nous soient parvenues de Domenico Scarlatti. En complément de ce chef-d’œuvre, Bertrand Cuiller et les musiciens du Caravansérail nous invitent à découvrir son apport aux répertoires de l’opéra et de la cantate profane, injustement délaissés : un voyage haut en couleurs entre Naples, Rome et Madrid.

"C'est dans les réserves de la Bibliothèque Royale de Bruxelles que se trouve l'unique exemplaire imprimé des 12 Fantaisies pour flûte seule de Telemann. Ces Fantaisies enrichissent considérablement le maigre corpus baroque d'ouvres pour flûte sans basse, aux côtés de deux autres joyaux, la Partita de J.S. Bach et la Sonate en la mineur de C. P. E. Bach. Organisé par tonalités (les 12 plus naturelles à l'instrument), montant progressivement du ton de LA à celui de SOL, un tel cycle pour flûte seule est unique au répertoire. (.) Ayant chacune leur propre climat, ces fantaisies sont des miniatures qui enchaînent 3 ou 4 mouvements de même ton. Elles ont en commun la concision, la brièveté des formes et l'alternance rapide de leurs mouvements. Telemann joue sur les effets de contraste et de surprise par l'alternance de caractères et de tempi opposés. La forme ouverte de la fantaisie offre au compositeur un champ idéal de liberté et d'expression de son imagination inépuisable. Acteur fervent de la réunion des goûts allemand, italien, français et polonais, Telemann couvre tous les genres, les styles nationaux et les styles d'écriture de son temps." (François Lazarevitch)

Renaud Garcia-Fons & Claire Antonini, deux musiciens atypiques, ont créé ce duo il y a déjà plusieurs années. Celui-ci s'est enrichi au fil du temps, chacun y apportant les résonances de son parcours et de sa passion pour la musique ancienne, le jazz et les musiques d'orient au sens large. Il en résulte une vision innovante de la rencontre des musiques d'Orient et d'Occident. Leur répertoire, essentiellement constitué de compositions originales, propose 19 courtes pièces qui telles des miniatures racontent cet itinéraire imaginaire, à la croisée de ces différentes cultures. Ici, la contrebasse se fait ney, le théorbe se fait setar, les deux instruments font entendre leur voix, la riche combinaison de leurs timbres et de leurs modes de jeux dans des orchestrations toujours renouvelées.

Orchestré et conduit par Quincy Jones, You’re Mine You sort en 1962. Alors âgée de 38 ans, celle que l’on surnomme « Sassy » ou « la Divine » a déjà une longue carrière derrière elle. La chanteuse utilise à nouveau sa large tessiture vocale pour nous emporter sur un océan d’émotions, au travers des 14 titres de cet album principalement composé de ballades et d’où émergent en priorité le swing de The Best Is Yet to Come et surtout la reprise du Fly Me to the Moon, de Bart Howard, deux ans avant que Frank Sinatra n’immortalise le morceau sur son album It Might as Well Be Swing

Samara Joy est une des étoiles montantes de sa génération. La jeune vocaliste a attiré l'attention en 2019 après avoir remporté la prestigieuse compétition de chant au Sarah Vaughan International Jazz Vocal Competition. À présent, la jeune femme âgée de vingt et un an annonce la sortie de son premier album éponyme, et met un pied dans le grand répertoire américain de la chanson. Produite par le vétéran des nominations aux Grammy, Matt Pierson, elle est accompagnée par le virtuose guitariste jazz Pasquale Grasso et son trio (Ari Roland et Kenny Washington) ce qui assoie la réputation de Joy comme étant l'une des vocalistes les plus prometteuses aux États Unis. On la compare depuis ses débuts avec Vaughan et Ella Fitzgerald, et on retrouve dans les bases de l'album l'inspiration insufflée par leurs voix. " L'inspiration vient de l'absorption de leurs styles autant que possible. C'est un mélange de ce que j'ai appris jusqu'ici, une manière de rendre hommage à celles et ceux qui ont fait l'histoire, tout en livrant ma vision de ces morceaux. " Remporter le prix Vaughan a transformé Joy. " Tout d'un coup, j'apparaissais sur les radars du jazz. C'est encore bizarre de penser à combien les choses sont allées vite. " Depuis lors, Joy n'a cessé de creuser pour découvrir ses racines jazz, sans perdre de vue la simplicité innée qui lui donne cette tonalité iridescente. Son premier album annonce l'arrivée d'une jeune artiste destinée à devenir l'une des plus grandes.

En janvier 1967, Aretha Franklin rejoint Atlantic Records à l'âge de 24 ans et signe une des plus prodigieuses séries gagnantes de l'histoire de la pop music en publiant cinq hit-singles au cours de la même année. Rhino célèbre le 50ème anniversaire de cette signature historique en offrant l'opportunité de redécouvrir les succès d'Aretha Franklin comme vous ne les avez jamais entendus. A Brand New Me : Aretha Franklin With The Royal Philharmonic Orchestra associe la voix de la Reine de la Soul aux nouveaux arrangements du Royal Philharmonic Orchestra sur ses plus célèbres enregistrements pour Atlantic Records, dont “Respect,” “Think,” “A Natural Woman (You Make Me Feel Like)”, “Don’t Play That Song (You Lied),”, “I Say A Little Prayer”, “You’re All I Need To Get By”, “Son Of A Preacher Man”… Le Royal Philharmonic Orchestra a enregistré ces arrangements aux studios Abbey Road de Londres, avec de nouveaux chœurs dirigés par Patti Austin. L’album est produit par Nick Patrick et Don Reedman, les créateurs du succès mondial ‘If I Can Dream: Elvis Presley With The Royal Philharmonic Orchestra’. A Brand New Me, un album intemporel qui restitue le talent unique, la soul, le groove et la puissance gospel d'Aretha Franklin.

" Une ode au silence " : c'est ainsi que le claveciniste Jean Rondeau définit les Variations Goldberg de Bach. " Je considère qu'elles furent écrites pour le silence, en ce sens qu'elles se substituent au silence ". " Bach tient tout entier dans les Variations Goldberg... toute sa musique y est présente... et c'est une oeuvre que je vais, sans nul doute, explorer jusqu'à la fin de mes jours ". Dans la phase préparatoire de cet enregistrement, Jean Rondeau a consulté une édition conservée à la Bibliothèque Nationale comportant des annotations qui sont de la main même de Bach. Il ajoute : " Me plonger dans ce document précieux m'a aidé à faire les choix que j'ai ressentis comme les plus authentiques ". Jean Rondeau exécute ce corpus de variations dans sa forme la plus complète, en effectuant toutes les reprises et en distillant des silences mûrement pensés. Jean Rondeau joue sur un clavecin Jonte Knif & Arno Pelto d'après un modèle allemand.

Diapason d'or