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Handel est l'un des compositeurs fétiches de Sandrine Piau, on se souvient de sa magnifique Alcina en DVD (ALPHA715) : " si j'ai incarné autrefois des héroïnes virevoltantes et légères, cet album offre un portrait de femmes puissantes, souvent meurtries. "... " Reines, magiciennes, sirènes, nous étions attirés par l'intensité musicale et émotionnelle que dégagent les espérances, les déceptions, les souffrances de ces femmes, sans oublier la malice ou la cruauté qu'elles savent aussi déployer. ", poursuit Jérôme Correas, complice de toujours de la soprano et chef des Paladins. À travers Almirena, Cleopatra ou Alcina, Haendel explore toutes les facettes de ces héroïnes déchues, caractères tranchés que l'on retrouve dans l'interprétation passionnée de Sandrine Piau.

En 1594, Carlo Gesualdo, prince de Venosa, arrive à Ferrare pour son mariage avec Eléonore d'Este. La rencontre du noble musicien avec l'univers musical de Ferrare, et en particulier avec Luzzasco Luzzaschi, marquera fortement la formation du jeune Girolamo Frescobaldi. Dans sa maturité, le natif de Ferrare est parvenu à une fusion très personnelle des structures musicales d'origine nord-italienne (en particulier vénitienne) et de l'expérimentation musicale de l'école méridionale. L'objectif de ce projet est d'explorer les influences réciproques entre l'école de clavecin du Royaume de Naples et Girolamo Frescobaldi. Seront ainsi discutées les pages des grands expérimentateurs situés entre le XVIe et le XVIIe siècle (J. De Macque, Rodio, Stella), tout comme les compositeurs de la génération suivante qui ont transposé et réinterprété l'enseignement frescobaldien (Storace, Salvatore, L. Rossi). On s'intéressera également à certains de ses contemporains qui se sont engagés dans une voie parallèle (M. Rossi). Cet échange musical fertile, qui culmine avec les innovations très personnelles de Frescobaldi, illustre parfaitement l'esprit d'expérimentation et d'innovation musicales typique du début du XVIIe siècle, une époque qui, comme peu d'autres, recherchait et célébrait le renouveau esthétique.

Résumé : Le nouvel opus d'Arat Kilo, machine à groove d'un éthiojazz ouvert et décapant, avec la chanteuse malienne Mamani Keita et le slammer newyorkais Mike Lad. Avec ce troisième album, Arat Kilo a décidé de changer : le groupe s'épanouit là où il est le meilleur (le groove) et s'ouvre à d'autres cultures musicales. Sans jamais quitter l'Addis-Abeba des années 70, le groupe a réussi à faire aboutir une évolution réelle en accentuant le caractère dansant de ses compositions : basse, batterie, guitare, clavier et cuivres, une machine à groove bien huilée. Arat Kilo a aussi intégré avec une stupéfiante aisance deux chanteurs habitués à arpenter des horizons bien différents, la malienne Mamani Keita et l'américain Mike Ladd.

Nishtiman Project est de retour ! Kurdistan, pays des Kurdes, est partagé entre quatre pays, la Turquie, l'Irak, l'Iran et la Syrie. Hussein Zahawy a dit, en fondant Nishtiman : " Notre musique, à l'écoute, est de toute évidence moyen-orientale mais elle n'est ni arabe, ni persane, ni turque. " La tonalité générale de ce troisième album est plus colorée, plus joyeuse, il porte le nom du Printemps : Nowruz.Un projet lumineux, tirant ses sources musicales et scripturales de la vaste mémoire collective kurde tout en respectant les particularités de chaque dialecte.

Il s'agit là de Hebron Gate, le chef-d'oeuvre d'Harisson Stafford mais également celui des musiciens extraordinaires qui l'accompagnent alors. Dans l'idée de fêter le 20ème anniversaire de sa parution, le leader charismatique du groupe Groundation propose à Brain Damage de le revisiter entièrement. Il faut surprendre, une simple succession de remixes, de pistes remasterisées ou de déclinaisons dub ne feront pas l'affaire. Les versions originales ne devront pas être seulement brièvement citées et l'ensemble devra être lisible et cohérent. Féru de ce genre d'exercice à contraintes, le producteur français s'y attèle avec la minutie qu'on lui connaît. Grâce à ce travail colossal, toutes sortes de mouvements sont alors possibles : recompositions, changements d'harmonies, intégrations de chutes d'enregistrements, ajouts d'éléments extérieurs et nouveaux. L'inimitable style des californiens entremêlant le reggae et le jazz se dote ici d'une énergie différente, psychédélique, plus introspective, de prime abord résolument déroutante pour les fans mais rapidement captivante, pour eux comme pour les néophytes.

Alex Vizorek revisite Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns. Le compositeur français n'avait pas imaginé que son bestiaire allait devenir une des oeuvres les plus célèbres de notre époque, un incontournable de la musique au même titre que le Pierre et le loup de Prokofiev... L'humoriste et comédien belge a donc réécrit le texte de cette " grande fantaisie zoologique " ; il en est le récitant, aux côtés du Duo Jatekok et de l'Orchestre national de Lille, sous la direction de Lucie Leguay... Un " délire drôle et poétique " entre marche royale du Lion, Poules, Coqs, mystérieuses Hémiones, parade hétéroclite des Tortues, de L'Eléphant et des Kangourous, fameux Aquarium qui a inspiré l'hymne du festival de Cannes et bien sûr célèbre Cygne.... " Lorsque l'homme reste loin, l'animal est heureux... " conclut Alex Vizorek. Pour célébrer Saint Saëns, mort il y a cent ans en 1921, le Duo Jatekok présente également un autre de ses tubes, la Danse macabre, dans sa version pour quatre mains. Naïri Badal et Adélaïde Panaget, l'orchestre et Lucie Leguay ferment cette parade haute en couleur avec le flamboyant Concerto pour deux pianos de Poulenc, créé en 1932 lors de la Xe Biennale de Venise.

C'est avec le titre Enigma Fortuna que l'ensemble La Fonte Musica, dirigé par Michele Pasotti, entend mettre en lumière la personnalité mystérieuse et excentrique du compositeur abruzzais Antonio Zacara da Teramo (1355-1416). Contemporain de Boccace, de Donatello et de Brunelleschi, ce compositeur pourrait presque être assimilé à une sorte de Jérôme Bosch musical tant les textes qu'il met en musique convoquent un " univers à l'envers " où l'obscène, l'imaginaire et le grotesque gambadent main dans la main. " Me comprenne qui pourra, car je me comprends " écrit-il dans sa ballata Amor ne tossa, annonçant la fierté des artistes romantiques avec 400 ans d'avance. Avec cet enregistrement de 4 CDs présentant en première mondiale l'oeuvre de Zacara, c'est une première tentative de compréhension que l'ensemble Fonte Musica nous propose. Et avec celle-ci, à travers le caractère intemporel de l'art, la compréhension d'une époque dite " renaissante " qui paraît autant " à l'envers " que la nôtre.

Nino Rota n'est pas que le musicien de Fellini (La strada etc), de René Clément ou de King Vidor. C'est un grand compositeur du XXe siècle. Enfant prodige, il a étudié en Amérique avec Fritz Reiner, croisé Toscanini et Igor Stravinsky... Eric Le Sage, Emmanuel Pahud, Paul Meyer, Daishin Kashimoto, Aurélien Pascal et leurs partenaires du festival de Salon de Provence rendent hommage à sa musique, avec sa Petite offrande musicale, composée en 1943 à l'âge de 22 ans, un Nonette et un Trio pour flûte, violon et piano qu'il écrit à la fin des années 50. Le Trio pour clarinette, violoncelle et piano (1973) appartient à la dernière période créative de Rota et il a toutes les caractéristiques des oeuvres de la maturité.

Le duo féminin nantais propose son nouvel opus. Composé de Julia Lanoë (moitié de Sexy Sushi) et de Carla Pallone mais aussi de collaborateurs multiples (vidéastes, graphistes, musiciens... ), Mansfield.TYA s'est imposé dans le paysage musical français à coup de violons hurlants, de violents riffs de guitare et de glitchs électroniques pour des titres hésitants entre mélancolie rêveuse et beauté d'un Gainsbar déchaîné.

"Suds" est une danse chantée qui nous tient en rythme du début jusqu'à la fin, grâce aux compositions et aux arrangements ciselés de Khalil Chahine et aux musiciennes, triées sur le volet, comme le souffle qui nous apaise, une fois l'orage passé. David Linx. Pendant un an, Khalil a composé et j'ai écrit jusqu'à ce que nous soyons en mesure de présenter ce projet qui est résolument la somme de ce qui nous lie. Les textes, à l'exception d'un seul et d'un duo français/anglais avec l'admirable David Linx, sont en français. Mes suds est un voyage, entre paradis terrestres et artificiels, il parle d'îles et d'océans mais aussi d'alcool et d'addictions, de colère et de résilience. C'est l'album d'une histoire d'amour et d'amitié". Viktor Lazlo. La base musicale de cet album, le treizième de Viktor Lazlo, est formée par un quartet avec les cubains Felipe Cabrera à la basse et Inor Sotolongo aux percussions. A la batterie le guadeloupéen Arnaud Dolmen et à la guitare Khalil Chahine, d'origine égyptienne, bien connu pour ses talents de guitariste et de compositeur... quartet sur lequel Viktor pose sa voix sur 13 chansons dont elle a écrit les textes et dont Khalil Chahine a composé la musique et qui en assure les arrangements musicaux. Interviennent aussi Stéphane Chausse à la clarinette sur plusieurs titres, Christophe Cravero au piano ainsi que la violoniste Leonor de Recondo. Enfin David Linx, ami proche de Viktor de longue date, intervient sur une chanson en duo (Bukowski) afin d'apporter une dimension supplémentaire à l'équilibre de cet album. Bref un disque dans lequel chaque musicien apportera sa couleur musicale propre au travers des origines variées qui composent l'équipe!

Le saxophoniste Dmitry Baevsky et le pianiste Jeb Patton se connaissent depuis de nombreuses années. Ils se sont rencontrés à New York, animés par la même soif d'apprendre le langage du jazz et d'en faire leur idiome de prédilection. Quelle meilleure façon pour ces deux musiciens de révéler leur entente qu'en tête-à-tête, privilégiant l'écoute, le dialogue, la complémentarité ? Entre le jeu de piano de Jeb Patton, élégant et articulé, et celui de Dmitry Baevsky au saxophone alto, vif, précis et chantant, la complicité est évidente. Sans artifice, sans pression, les deux musiciens ont fait ce dans quoi ils excellent: improviser sur des standards. Enregistré dans les règles de l'art, ils signent un disque qui, sous un titre en forme d'évidence, "We two", marque la rencontre de deux maîtres contemporains du jazz, classique et éternel.

Le retour du duo magique et subversif de la musique orientale : Duoud. Après huit ans de pause au cours desquels Mehdi et Smadj sont allés chacun de leur côté explorer de nouveaux projets, l'envie de refaire de la musique ensemble revient. Duoud se reforme : les deux amis se retrouvent pour poser les bases d’un nouveau répertoire. Cette nouvelle rencontre conduit Duoud ailleurs dans le style et le duo recommence à tourner, avec cinquante dates sur plusieurs continents - dont une mémorable tournée en Chine où ils découvrent ce que sont les Menshen, gardiens du seuil dans la culture chinoise traditionnelle. Le concept (et le titre) de l'album est né. Duoud nous propose un album acoustique et électronique, à la fois maghrébin et occidental, fermement enraciné dans la tradition et en même temps résolument moderne.

La musique d'Atine est une musique persane, bien du présent. Atine, ce sont cinq musiciennes qui arpentent la musique savante et populaire persane, sans s'encombrer de redites, d'imitations. Elles retrouvent aujourd'hui les ivresses des ghazals de Saadi, des poèmes de Cheikh Bahaï, des grands romantiques de l'ère Kadjar. L'ordonnancement raffiné de la musique persane, les ruissellements emmêlés du târ et du qanûn, l'agilité du tambour tombak, la noblesse profonde du chant sont ici moirés des reflets sombres de la viole de gambe européenne. Ce n'est pourtant pas une occidentalisation, ni une réactualisation, ni une subversion. Aucune note d'Atine qui ne soit persane. Mais c'est une Perse au sens large.

Abu Sadiya faisait peur aux enfants. Les guides touristiques qui parlaient de lui le réduisaient à un nom commun - le boussadia. Vêtu de peaux de chèvres et de haillons, coiffé d’un bonnet conique, ce Noir qui dansait en roulant des yeux fous était le Père Fouettard des rues tunisiennes. Il les a désertées il y a quelques dizaines d’années et Yacine Boularès, qui en avait entendu parler par son père, s’est passionné pour ce personnage d’un folklore chassé des rues par la modernité, l’ordre et la bienséance. Le saxophoniste Yacine Boularès rencontre Vincent Segal en 2014 sur l’enregistrement de l’album Encanto del mar dans lequel le ténor Placido Domingo aborde des répertoires méditerranéens en compagnie de musiciens de jazz. L’entente est immédiate entre le jeune jazzman et son aîné qui a déjà travaillé sur des dizaines de projets dans tous les genres et tous les styles. Yacine Boularès lance alors l’idée d’Abu Sadiya. La rencontre entre le jazz, les rythmes et les modes du stambeli se fera à trois, en compagnie du batteur américain Nasheet Waits. Abu Sadiya est une suite presque narrative, passant par le déracinement, le désespoir, la mort, la transformation, et Yacine Boularès tient à ce que la limite entre improvisation et musique écrite ne soit pas toujours sensible. Yacine Boularès, Vincent Segal et Nasheet Waits s’aventurent entre les rues de Tunis et celles de Manhattan, entre tradition, jazz et musique libre, entre les tragédies de l’Histoire et la résilience contemporaine, entre les vieux secrets et la liberté contemporaine. Ce n’est pas seulement un hommage à cet Africain déporté en esclavage ; c’est sa revanche.Bertrand Dicale

La Fondation Orpheum, qui soutient les jeunes musiciens depuis plus de trente ans, s’est associée à Alpha Classics pour une série d’enregistrements consacrés aux concertos de Mozart, tous instruments confondus. Les meilleurs solistes de la jeune génération ont été sélectionnés sous la direction artistique d’Howard Griffiths, chef mozartien reconnu, qui considère que jouer sa musique, c’est comme « se regarder dans un miroir : on entend si tout est en place, musicalité, intonation, rythme, phrasé »… Pour ce cinquième volume, c’est la pianiste américaine Claire Huangci qui rejoint le Mozarteum-Orchester Salzburg et Howard Griffiths, son mentor depuis dix ans. Pour la musicienne, les concertos sont « de véritables révélations musicales, des œuvres pleines de virtuosité et de fantaisie ».

Anton Bruckner appelait sa Symphonie n°ع 8 en ut mineur un "mystère", d'autres y ont vu une œuvre "apocalyptique". Pour Paavo Järvi, il s'agit de la "symphonie la plus inhabituelle" du compositeur et du "sommet" de son œuvre symphonique. Dans l'histoire de la Tonhalle-Orchester Zürich, la Huitième Symphonie de Bruckner occupe une place à part, puisqu'il s'agit de la première que l'orchestre interprète en 1905, douze ans après la création à Vienne de ce qui était alors la plus longue symphonie de l'histoire de la musique, la seule de Bruckner à faire appel à des harpes : "Une harpe n'a rien à faire dans une symphonie, mais je n'ai pas pu faire autrement !" aurait dit le compositeur.

" Je voulais présenter d'où je viens et où je vais ", résume Rusan Filiztek à propos de son premier album solo : oser chanter dans plusieurs langues (le turc, le grec, l'arménien) et retrouver l'esprit des troubadours des temps anciens. Originaire de Turquie, Rusan Filiztek utilise naturellement le saz, instrument emblématique et représentatif des différents territoires qu'il a traversés (Syrie, Irak, Kurdistan, Iran, Arménie, Géorgie, avant d'arriver en France en 2015) A part deux titres traditionnels sur des modes orientaux en langue grecque et arménienne pour lesquels il a pris un oud grec, et pour Sans souci, chanson gallo bretonne qu'il accompagne au saz à trois cordes, le saz à 7 cordes est utilisé tout au long de ce bel album, jouant un rôle central qui reflète la réalité de toutes les cultures d'Asie Mineure.